Vous le savez, je travaille pour le label de musique Akamusic, et je guette donc toutes les publications web des artistes que nous défendons. Il m’arrive donc régulièrement de trainer mes guêtres sur des sites comme Charts in France ou AlloMusic. C’est justement à l’occasion d’une mise en avant par ce site de Colline Hill (si vous aimez le folk-rock, allez donc découvrir ce qu’elle fait, c’est très chouette) que je suis attiré par la titraille annonçant le nouveau clip de Britney Spears. J’y jette donc un oeil, et il me faut alors abandonner tout ce que je fais pour écrire tant il y a à dire sur cette nouvelle merveille musicale (ou pas).
Il est à noter que j’aime bien Britney Spears. C’est la première pop star que j’adopterai en 1998 (j’avais juste 13 ans) avec Baby One More Time, dont j’ai le single en pochette cartonnée acheté à l’époque 199 francs belges. J’écoutais aussi des groupes comme Massive Attack, Portishead ou Hooverphonic , mais j’arrivais parfaitement à défendre Spears musicalement, autant que ces pointures. Spears est une des premières, selon moi, à avoir fait de la pop des années 2000 (avec Madonna et son duo Ray Of Light/Music). Elle n’a jamais versé dans les sons dérivés de la « trance/acid/goa » tellement à la mode dans les milieux underground de l’époque et donc récupéré édulcoré pour le grand public (pensez par exemple à Sonique et It Feels So Good, sorti la première fois la même année que Baby One More Time ou Waiting For Tonight de Jennifer Lopez).
Et donc, on en revient à cette chanson Hold It Against Me. Déjà au niveau du son, même si toute la première partie du titre fait la part belle aux sons électro compressés (façon Justice/Boys Noize/…) et que le break reprend quelques éléments vaguement dubstep, la dernier couplet est typique de la pop pré-Britney Spears dont je vous parlais plus haut. En soi, rien d’étonnant, cette triplette électro compressée/dubstep/90′s est l’ensemble de ce qui marche pour le moment. On est juste étonné de voir les producteurs injecter dans la musique de cette pop star des éléments qu’elle a contribué à rendre ridicule et old school à l’époque.
Mais le pire est encore à venir, car j’ai donc découvert ce matin la vidéo qui accompagne ce titre.
Aù-delà des placements produits de moins en moins fins et de plus en plus nombreux dans la vidéo (certains passages pourraient être un spot publicitaire pour Sony, quasiment sans retouche), on se demande vraiment qui a réalisé la direction artistique de ce clip. Parce qu’il est simplement très laid. L’image, le décor, le maquillage, les costumes sont justes immondes. Mais ils sont immondes 90′s. On se croiraient dans les décors du 5ème Elément en moins bien. Les effets spéciaux ont l’air d’être d’époque (notamment ceux de la dernière scène de chorégraphie) et les tenues pseudo « steam-punk » font penser au déjà bien kitsch Mad Max. On ne parlera pas de la chorégraphie en elle-même qui montre que la dame ne sait simplement plus bouger (tous les mouvements les plus compliqués sont tournés par des doublures, à coup sûr), les plans non-dansés rappelant combien elle est mauvaise actrice. Les lumières sont dégueus, le cadrage infect, le montage imbuvable et on y trouve même des erreurs de lipping grosses comme des maisons. Bref, c’est vraiment de la grosse merde, et c’est totalement incompréhensible quand on est à ce niveau de produit d’entertainement.
D’autant plus que la concurrente en chef Lady Gaga propose une image autrement plus moderne. Le clip Telephone est une des meilleures vidéos musicales « grand public » de ces dernières années, à mon sens (avec le même placement produit du site de rencontre Plenty Of Fish, d’ailleurs). La qualité n’est simplement pas comparable. Reste que Hold It Against Me est sans doute le plus gros succès commercial de Britney depuis Baby One More Time. Le choix stratégique de placer Spears dans une époque qu’elle n’a jamais connue et que ses fans n’ont donc pour la plupart jamais entrevue s’avèrerait-t-il payant, malgré la qualité plus que douteuse?
Temps d’écriture: 80 minutes
Excellent album synth-pop, production impeccable, des morceaux excellents, d’autre moins biens, mais une belle unité sonore. Evidemment, il n’y a rien de novateur dans la musique de Robyn, mais je ne renie jamais l’efficacité d’un album pop quand je la croise.
Une presque déception, cetalbum. Si 
Là encore, 
J’avais beaucoup apprécié le premier album de ce chanteur guitariste en solo, et j’avais déjà émis quelques doutes sur sa capacité à évoluer, vu les contraintes techniques qu’il s’impose (live en solo, avec juste une guitare et des sampler pour enregistrer des boucles en direct). C’est ce qui ressort de ce deuxième disque, bon au demeurant, mais très proche du premier. Le live, par contre, s’est franchement amélioré, le jeune homme réussissant à s’affranchir des difficultés techniques pour livrer une prestation plus chaude et plus en contact avec le public.
Non, je n’ai pas honte, j’ai beaucoup écouté le premier album du jeune bruxellois « découvert » par NRJ, squatteur des ondes et des classements iTunes avec son excellent titre « Alors On Danse« . Comme je ne suis pas un grand auditeur des radios commerciales, que je n’ai pas la télévision, je n’ai sans doute pas été aussi exposé à son titre que la majorité. J’ai donc apprécié la production so 90′s, minimaliste mais efficace sur certains titre, tout comme certains textes plutôt réussis (Alors On Danse, Te Quiero, Dodo) et l’interprétation du bonhomme. Après, le risque est grand de le voir sombrer au second opus, mais pourtant, je garde espoir car son activité online plutôt prolifique et originale me semble être le signe d’une certaine lucidité et intelligence. En bonus, un titre produit bien avant son album, où on retrouve déjà le sens le sens du refrain pop qui fait mouche, encore trop engoncé dans ses clichés hip-hop.
Un album réellement intéressant de bout en bout, mêlant influences très diverses (dubstep, synth-pop mélancolique, rock bien électrique) et titre franchement étonnants (pas grand rapport entre Apple & Pears et Scattered), mais réussissant à maintenir une qualité assez constante et à produire des titres excellents. Difficile de savoir si la carrière de ce groupe va se poursuivre, on ne peut pas dire qu’ils auront réussir à se construire une identité forte grâce à ce disque. Et je n’ai malheureusement pas pu profiter de leur passage au Botanique pour juger du résultat live. En attendant, les versions studios sont très recommandable, si vous n’avez pas peur de passer du froid au chaud d’un morceau à l’autre.
J’ai jusqu’ici plutôt soutenu des albums assez constants dans la qualité de leur titre, c’est moins le cas à mon goût de cet opus de Koudlam, premier disque qui a par contre une personnalité bien marquée. Emmené par le titre irrésistible « Love Song« , la musique de Koudlam mélange éléments électroniques assez travaillés à des instruments rock et une composition plutôt pop. La voix du chanteur renforce cette personnalité musicale, parfois froide et inspirée du post-punk, parfois nettement plus émouvante comme sur le titre « Goodbye« . Peut-être une valeur montante de la musique électronique pas bête, si la qualité moyenne des titres continue à progresser pour atteindre celle des meilleurs morceaux de l’opus. Certaines plages sont en effet un peu vides ou inintéressantes.
La DJ française continue tranquillement et trop discrètement sa carrière avec ce second disque excellent. Passant de structure plus pop à plus électro, de morceau plus dansant et rythmique à d’autres plus mélodiques, elle réussit à maintenir le plaisir d’écoute dans le salon sans difficulté. C’est vraiment dommage que ce disque ne comprenne pas un titre-phare pour emporter l’adhésion totale et qu’il n’y ai pas un petit quelque chose qui le fasse ressortir de la jungle des bons disques de musique électronique (alors qu’il vaut autant si pas plus que le Mount Kimbie dont on a beaucoup parlé).
Assez différent du premier opus, disposant de quelques titres imparables (Spanish Sahara et son remix de Mount Kimbie pour le coup très inspiré, Alabaster), il a l’avantage d’un bel univers sonore sur son ensemble. Néanmoins, le plaisir d’écoute s’essouffle assez vite et c’est donc un album à consommer maintenant dans l’idée des portes qu’il ouvre pour la suite de la carrière du groupe. C’est plus ou moins le cas également du dernier Chemical Brothers, même si celui-ci s’écoute plutôt en gardant un oeil dans le rétro de la carrière assez monumental du groupe. Plus mature à mon sens que le précédent opus, moins dansant, mais consistant peut-être en une étape d’une mutation en cours.
Un album complètement passé inaperçu d’un projet ayant pourtant trusté les charts fin des années 80. Je dois avouer que si je n’étais pas passé chez mon vendeur de disque indépendant au moment où il était en rayonnage « nouveautés », je ne l’aurais probablement jamais écouté. Quelle perte cela aurait été. La production co-signée par Gui Boratto, un des meilleurs producteurs de musique électronique de ces dernières années, ajoute cette touche entêtante aux titres plutôt électro-pop 80′s du groupe. Il faut dire que Tim Simenon (l’homme derrière ce pseudo) est un producteur qui a gagné ses heures de gloires avec des titres 80′s (l’album Ultra de Depeche Mode, le début de la carrière de Neneh Cherry). Ici, l’album mêle éléments modernes avec d’autres plus rétros, mais maintient une efficacité pop sur l’ensemble. Finalement, le titre le plus décevant est celui co-produit avec Martin Gore, bien moins intéressant que The Infinites ou Price On Your Head où les voix de Paul Conboy et Richard Davis font mouche. L’album en or que j’ai eu beaucoup de chance de trouver.
C’est peut-être dû au fait que j’ai découvert cet album il y a 15 jours, juste après un live magistral, mais j’ai depuis du mal à me détacher de cette musique sombre et vénéneuse proposée dans ce deuxième album qui est bien meilleur que le premier, déjà tout à fait respectable. Des titres comme « I Can’t Feel » ou « You Put A Smell On Me » ont un côté animal, charnel, tout autant que froid et calculé. Une sorte de musique tribale qui aurait été produite dans une cave new-yorkaise, la jungle urbaine chantée par un Sinatra dépressif. Formidable!
C’est l’album que j’ai écouté le plus cette année, sans aucun doute. Extrêmement méfiant vis-à-vis de ce retour après l’album 100th Windows auquel je n’avais pas du tout accroché, des titres comme Splitting the Atom (une sorte de relecture minimaliste du style des premiers albums), Pray For Rain (la voix du chanteur de TV On The Radio est superbe), Paradise Circus (comptine pluvieuse assez émouvante et sexy) ou encore Saturday Comes Slow (le meilleurs titre de Damon Albarn depuis longtemps) ont fait disparaître toutes mes réticences. Certes, les deux titres de Martina Topley-Bird ne sont pas à la hauteur et l’expérimentation menée par Guy Garvey sur Flat Of The Blade devient assez gonflante après plusieurs écoutes, mais l’ensemble est d’une telle tenue, et certains titres sont tellement excellents, que je comprends peu pourquoi ce disque est si souvent oublié dans les tops de l’année 2010. Je l’ai rangé dans la section « A conserver en cas d’hiver nucléaire » à côté de l’album Mezzanine.
Franchement, le nom du bonhomme comme de l’album est pourri, la couverture est assez moche mais les morceaux irradient tant de chaleur et d’inventivité qu’on ne peut que succomber à ce disque. 